Roma y Nápoles: Bernini, Giorgione y mucho más. ✏️ Blogs de Italia

Lunes 23 de febrero de 2026, tengo el vuelo con Ryanair a las 16:05 con llegada a las 18:45 (49´99€ ida/Vta), uno de los últimos ya que en marzo la compañía irlandesa abandonará el aeropuerto de asturias por sus desavenencias con el gobierno, tasas etc.

Llego a roma con antelación, 18:20, y como en la asignación aleatoria (y gratuita) de asientos me ha tocado la fila 2, que es como si fuera emergencia:

desembarco muy rápido y me da tiempo a coger el Terravision de las 18:45, cuando yo tenía para el de las 19:30 pero puedes subirte a otro anterior o posterior sin problema.

Al salir del bus, caminando por Termini de camino al hostel, el Legend ( 51€ por 3 noches + 15€ de tasa turística en habitación compartida de 4), veo señales que me recuerdan uno de los motivos principales del viaje, si bien ese san Sebastián lo tenemos en el Thyssen de Madrid

Ya lo he cogido más veces porque es económico y esta cerquita de la estación, una estación, por cierto, que se encuentra toda en obras por afuera y por la aledaña Piazza del Cinquecento.

Son las 20h y estoy en Roma, ¿me quedo en la habitación? NI DE COÑA , me voy a coger el metro dirección Laurentina y en dos paradas salgo en el Colosseo ):;

Sorprende que aún haya gente que piense que hacerse fotos con los que están disfrazados de romanos es gratis

Me acerco también hasta el Arco de Constantino, erigido en 315 para conmemorar la victoria de Constantino I el Grande en la batalla del Puente Milvio, el 28 de octubre de 312. Su altura es de 21 metros, con 25,9 metros de ancho y 7,4 metros de profundidad.

Una hora y algo después regreso al hotel invirtiendo el camino, me toca descansar, guardar cosas en la taquilla y preparar la mochila para mañana porque cojo el tren de las 06:26 am a Nápoles.

---

Madrugo, para variar en estas escapadas , paso por delante de otro cartel con la exposición de Bernini que está cerca de Termini:

Compruebo que mi Intercity 701 de las 6:26 hace la parada en Napoli Centrale (13,90€) y espero a que pongan el andén; anuncian huelga para los días 27 y 28 de Febrero, como no podía ser de otra manera ya que aquí rara es la vez que vienes y no hay huelga de trenes y/o aviones:

Llego a la hora prevista, 8:30, a la estación de Nápoles Central, y desde aquí sigo los carteles del metro de Piazza Garibaldi para dirigirme dirección Piscinola; me he descargado la app que me bajé la última vez que vine, Unico Campania, para comprar billetes de bus y metro pero como tengo problemas para el billete de metro, conexión etc, lo compro directamente en las máquinas de la estación:

Nos indica un cartel que camino seguir para coger el bus a Capodimonte, cosa que hago; esta vez si que pasa el bus puntual, no como la otra vez que no venía ninguno, llegando al museo a las 9:25 (justo a tiempo ya que de 8:30 a 9:30 la entrada es más barata, 12€ frente a los 15€ de la entrada general)
La última vez estaban las mejores obras en una exposición del Louvre (realmente hacía un mes que había terminado la exposición pero no se dieron mucha prisa en traerlas de vuelta )





Ambos formaban parte del Políptico de la Nieve, en el altar de Santa Maria Maggiore en Roma, cuyos santos laterales se encuentran hoy diseminados por Philadelphia, la National Gallery de Londres y la Pinacoteca Vaticana.









Una copia del Pastor con flauta (o Joven con flauta) de Sebastiano del Piombo, cuyo original se encuentra en la colección de Wilton House, en Salisbury, Reino Unido.














Al fondo Annibale Carracci: Cristo en gloria. 1586. En primer término "Rapto de una sabina" de Giambologna, realizado para Ottavio Farnese en 1579, precursor de la gran obra de marmol de 4 metros de altura de la Logia de las Lanzas en florencia, su famoso Rapto de las Sabinas.


Al fondo la Intervención de las Sabinas en la lucha entre romanos y sabinos, de Girolamo Mirola. En primer término "El joven Hércules estrangulando las serpientes", de Guglielmo della Porta.

Bemvenuto Tisi, "il Garofalo": San Sebastián, 1525, y Giambologna: Hércules con el jabalí de Erimanto.






Ludovico Carracci: Caida de Simón el Mago, 1603. La caída de Simón el Mago es una leyenda cristiana, narrada en los Hechos de Pedro, donde el mago samaritano, intentando demostrar sus poderes ante el emperador Nerón en Roma, levita por los aires, pero cae y muere tras las oraciones de San Pedro, quien rompe el conjuro demoníaco. Este episodio representa el triunfo de la fe cristiana sobre la hechicería y ha sido un tema popular en el arte.


Según relata Plutarco en la Vida de Alejandro Magno, cuando sus tropas tomaron Tebas un comandante tracio de su ejercito violó a la dama Timoclea y después le preguntó si tenía oro y plata; Timoclea dijo que lo tenía escondido en un pozo de su jardín. Al asomarse lo empujó y luego lo lapidó











La justicia corona a la verdad, que entrega dos palomas como símbolo de pureza, vigiladas por el tiempo, de barba, y abrazando a un avestruz, ave vinculada a la justicia universal.




Vista de Nápoles desde Capodimonte, de Dunouy Alexandre-Hyacinthe; en un rato saldré afuera a contemplar estas mismas vistas, con el Vesubio desafiante a la izquierda.

A la derecha, más Vigée-Lebrun: Retrato de Mª Teresa de Borbón, futura emperatriz de Austria y debajo el Retrato de Francisco de Borbón-Nápoles.

Hay una exposición de "arte" moderno que van intercalando en las salas del apartamento, dando lugar a imágenes chocantes como este sátiro ahorcado frente a copias Goyescas...






Aquí tenemos el Ángel de la Caridad, Leopoldo de Borbón, Sueño enclaustrado, 1890, Luigi de Luca y al fondo el Retrato de Leticia Remolino, de Antonio Cánova.

Llego a las salas de los "Otros Caravaggios", como Battistello Caracciolo: Cristo de la Columna, 1620, y el Milagro de San Antonio de Padua, 1622.







La reina Onfalia tuvo como esclavo a Hércules, del que se burlaba obligándolo a vestir ropas femeninas y utilizar el huso y la rueca entre sus sirvientas, mientras ella lucía su piel del león de Nemea y su maza.











Hércules debe elegir entre dos caminos simbolizados con dos mujeres, la Virtud (camino difícil al cielo) que conduce a la inmortalidad y Voluptas (camino fácil al placer), que empuja al pecado y la lujuria. Encargado por el cardenal Odoardo Farnese, la pintura muestra a Hércules en conflicto, simbolizando la elección moral entre la fama duradera y la pereza.

Andrea Mantegna: retrato de Francesco (o Ludovico) Gonzaga (1460) y Lorenzo Lotto: Retrato de Bernado de'Rossi, obispo de Treviso (1505)


Giulio Clovio fue un pintor del Renacimiento italiano especializado en miniaturas o iluminaciones para libros. Fue apodado el Miguel Ángel de las miniaturas







Menuda pared, el Retrato de una joven, llamada "Antea" (una mujer noble de Parma) de Parmigianino (1535), seguida de una Magdalena penitente (1567) y Danáe con Zeus como lluvia dorada (1544), ambas de Tiziano.

Al lado de Danae, Sofonisba Anguissola: Autorretrato en la Espineta, 1556-57


Frente a él, probablemente el cuadro más famoso del museo, mejorando lo presente, La flagelación de Cristo (1607), de Michelangelo Merisi da Caravaggio
Parece ser que se inspiró en Sebastiano del Piombo, según bocetos de Miguel Ángel, cuya flagelación está en la Basílica de San Pietro in Montorio:



Continuó con una galería de bustos y esculturas, como la de Antinoo, el amigo/amante del emperador Adriano y otro de Lucio Vero:

Veo otro David con la Cabeza de Goliath, obra de un desconocido, al menos para mí, Giuseppe Diamantini (1670-75):




Este museo aún se resiste a entregar todas sus obras maestras, de pronto me encuentro con la exquisita Adoración de los Pastores de Giovanni Battista Salvi "Sassoferrato" (1653):

Dos pinturas con el bíblico tema de "Susana y los Viejos", no conozco un pintor que no haya hecho su versión:



Y como remate final, una de las tres versiones que hizo Artemisia Gentileschi de "Judith y su doncella con la cabeza de Holofernes", cuya copia más conocida está en el Detroit Institute of Arts:



Y las estupendas vistas, con el Vesubio a la izquierda, que vi en el cuadro de Dunouy Alexandre-Hyacinthe:



Miro en el Google Maps para ir al Complesso Monumentale Santa Maria La Nova y la Chiesa di Santa Maria la Nova; cojo el autobús 168 cerca del museo, donde la otra vez, y me bajo junto a un viejo conocido, la estatua de Dante:


He visto que está iglesia tiene un claustro con unos frescos que merecen la pena y, sobre todo, la "supuesta" tumba de Vlad el Empalador, más conocido como DRÁCULA
La teoría napolitana dice que Vlad Tepes, "Drácula", no murió en combate, sino que fue capturado y luego rescatado por su hija María Balsha, trasladado a Nápoles y donde fue enterrado por ella a su muerte.
Referencias al nombre de Vlad y relieves de Dragón, orden a la que pertenecía.




Subo al piso superior, se supone que hay más obras de arte pero ya veo que han "forzado" el tema del museo metiendo basuras a las que llamar arte religioso, a fin de cuentas todo es susceptible de ser arte...


Y desde aquí me voy a la siguiente cita de mi día napolitano, la exposición en las Gallerie d'Italia (alojadas en el Palazzo Zevallos Stigliano): Mujeres en la Nápoles española. Otro siglo XVII. (7€)


La exposición se abre con las figuras de Lavinia Fontana y Fede Galizia, artistas de otras ciudades que trabajaron para mecenas napolitanos a principios de siglo, ofreciendo una interesante comparación con las innovaciones introducidas por Caravaggio. Sus obras revelan la densa red de intercambios artísticos, comerciales y de coleccionistas que hicieron de Nápoles una encrucijada de la cultura mediterránea.






Lavinia Fontana: Retrato de Antonietta Gonzales, 1592. Representa a una niña con hipertricosis o síndrome del hombre lobo.
Hija de Pedro Gonzales, natural de Tenerife y fallecido en Capodimonte, quien fue el caso de hipertricosis más antiguo de los que se han descrito en Europa.


Tras años de turbulencias personales, trabajar en Roma, Florencia y Venecia, Artemisia Gestileschi se trasladó a Nápoles, donde se convirtió en una figura destacada de la pintura barroca, interactuando con artistas como Massimo Stanzione, incluyendo encargos para la catedral de Pozzuoli, y falleciendo en esta ciudad. Su tumba se encontraba en la Basílica de San Giovanni Battista dei Fiorentinos; lamentablemente, tras la destrucción de dicho templo durante la Segunda Guerra Mundial, su sepulcro se perdió.

Aquí veo otra de las copias que realizó Artemisia sobre el tema de Judith y su doncella con la cabeza de Holofernes, en este caso procedente del Museo de las Exploraciones del Mundo, en Cannes, y pintado antes que el Farnese, entre 1640-45.

El cuadro representa un episodio de la mitología griega relatado en las Metamorfosis de Ovidio. Para evitar que Aquiles muriera en la Guerra de Troya (la profecía decía que si luchaba en la guerra de Troya, tendría una vida corta pero llena de gloria eterna), su madre, la ninfa Tetis, lo disfrazó de mujer y lo escondió en la corte del rey Licomedes en la isla de Esciros, viviendo entre sus hijas.



Entre los préstamos destacan el retrato de María de Hungría de Velázquez, y el retrato de Maddalena Ventura, la “mujer barbuda”, pintado por Ribera, (cedidos por el Museo del Prado) obras que evocan las múltiples representaciones de lo femenino en el Nápoles español del siglo XVII.
La Infanta estuvo en Nápole entre agosto y diciembre de 1630, un acontecimiento de gran trascendencia que marcó la historia del arte y del género.





Según reza la explicación, se formó con el afamado pintor Massimo Stanzione, en cuyo taller conoció a su futuro compañero de vida, Agostino Beltrano.
Giuseppe Tramontano: Diana di Rosa, apodada Anella di Massimo, y Massimo Stanzione siendo espiados por un criado en el estudio del Maestro

Ottavio Leoni: Andreana Basile (a la derecha), 1619. Fue una famosa cantante de ópera nacida en Nápoles y que actuó principalmente en la corte de la Famila Gonzaga en Mantua.

Nicolas Perrey (grabador): "El Teatro de las Glorias de Lady Adriana Basile. Construido en 1628, para su honor, por la Cetra (Lira) de los Anfiones de este siglo."(Anfión era un músico talentoso. Se dice que tocaba la cetra con tanta dulzura y maestría que las piedras se movían por sí solas para construir los muros de la ciudad de Tebas, mientras su hermano Zeto se encargaba del trabajo físico.)

Otra mujer que esta exposición rescata del olvido, Teresa del Pó, pintora y grabadora nacida en Roma en 1649 pero cuya actividad principal se desarrolló en Nápoles, donde falleció en 1713:

Se exponen obras de escultores anónimos napolitanos en contraste con la escultora barroca andaluza Luisa Roldán, para subrayar la cultura mediterránea común de la que Nápoles era un centro fundamental.




Me ha gustado la exposición, muy bien montada, con préstamos muy importantes de varios museos de todo el mundo, muy explicativa


Una Caravaggiesca "Decapitación del Bautista", 1683-89, obra de Nicola Vaccaro, que nos lleva irremediablemente a la Concatedral de San Juanen La Valeta, Malta, donde está la maravilla pintada por Caravaggio y que pude ver el año pasado in situ






El que se considera el cuadro más importante de estas galerías, El Martirio de Santa Úrsula, una de las últimas pinturas de Michelangelo Merisi da Caravaggio, 1610.

Ya pude admirar el cuadro en la magnífica exposición del maestro milanés que ví el año pasado en el Palazzo Barberini de Roma, a donde volveré mañana para ver la de Bernini y los Barberini:


Hay otros cuadros interesantes como este retrato de una dama llamada Fulvia, de Vincenzo Migliaro (1887), pintor nacido en Nápoles:


Llego a la sala con obras del napolitano Vincenzo Gemito (Nápoles, 16 de julio de 1852 - 1 de marzo de 1929), escultor, pintor, diseñador y orfebre italiano:





Piramo y Tisbe, fresco de otra casa pompeyana. De la Metamorfosis de Ovidio, dos jóvenes babilonios de familias enemigas se enamoran y planean escapar, pero un malentendido con una leona provoca el suicidio de ambos, tiñendo de rojo los frutos de la morera.



Salgo del museo, me ha encantado, me voy dando un paseo hasta la Chiesa dei Santi Apostoli, en ella hay un altar filomariano, obra de Borromini pero, como me ocurrió la otra vez, esta iglesia parece abandonada y sigue cerrada:

ergo me voy de camino a la estación de tren, parando a disfrutar del ambiente napolitano dado que son las 15 y mi tren sale a las 16:31 (veré en la pantalla que viene con retraso de 15 minutos) de Napoli Centrale y llega a Roma Termini a las 18:34 (14'90€ comprándolo con días de antelación sino puede ser mas del doble)

Para llegar a la estación tengo que coger el metro en Piazza Garibaldi, accediendo a ese mundo subterráneo de escaleras mecánicas que suben y bajan en interminables niveles:

---

Veo en las marquesinas el anuncio de una exposición que vendra al Palacio Cipolla, que siempre trae cosas buenas, en este caso lo mejor del Kunsthistorisches Museum de Viena, en el que estuve a finales de 2024 y que es abrumador:


Quiero ir a ver la Basílica de Santa Andrea della Fratte, 20 minutos de paseo, en ella hay dos esculturas de Bernini, concretamente los originales de dos de los ángeles que hay en el Puente Sant'Angelo sosteniendo instrumentos de la Pasion de Cristo, ejecutados entre 1667 y 1669, sustituidos por copias para su conservación y hoy en dicha basílica.


Una Basílica ciertamente espectacular y en la que está también la tumba de la pintora Angelica Kauffmann con su marido



Desde aquí hasta Villa Farnesina, mi siguiente punto del día a las 9am, hay un cacho largo andando, así que pillo el bus 62 hasta Chiesa Nuova;
Desde la parada son unos 12' andando pero veo en el Maps que tengo marcada la Basilica di San Giovanni Battista dei Fiorentini, que está a sólo 5 minutos, y allá que me voy rezando para que no haya misa (nunca peor dicho ); normalmente confirmo en la app de misas en Italia, DinDonDan, para no coincidir con una homilía, ya que no dejan visitar, lógicamente.
Es una basílica de nave central austera, si bien el motivo de mi visita no es otro que ver la tumba de Borromini y también la de Carlo Maderno (la cúpula anterior es diseño suyo):

Aquí también estaba, o está, enterrada la gran Artemisia Gentileschi, si bien su tumba se perdió durante la IIWW.
Leyendo las cartelas de las capillas veo que hay una, la Firenzuola, cuyos frescos de las paredes se atribuyen al padre de Artemisia, Orazio Gentileschi:



Sigo viendo la basílica, aquí también hay reliquia, nada más y nada menos que la bota de oro al mejor goleador de la liga de Belén en el I a.C que me perdonen los creyentes, el tema de las reliquias no lo llevo bien, en este caso el pie de María Magdalena que primero entró en el Santo Sepulcro :

Veo la Cruz que perteneció a San Filippo Neri, copatrono de Roma, sobre un busto suyo obra de Giuseppe Ducrot (1999), así como el trozo de fresco con la Virgen y el niño, obra de Filippino Lippi





Aquí está la famosa Galatea pintada por Rafael, modelo de muchas posteriores; tengo la entrada para las 9am, cuando abre, y como llego en 10 minutos, me siento en un banco a esperar y comer algo. La villa Fue construida entre 1505 y 1511 por Baldassarre Peruzzi en el barrio del Trastevere, cerca del Tíber, por encargo del banquero sienés Agostino Chigi. En 1580 fue adquirida por el cardenal Alejandro Farnesio de donde recibió su nombre actual. Villa Farnesina fue la primera villa nobiliaria suburbana de Roma:

La Logia de Amor y Psique (Loggia di Amore e Psiche), evocadores frescos renacentistas pintados por Rafael Sanzio y su taller entre 1517 y 1518; entre sus discípulos, Giulio Romano, de cuyo Venus y Júpiter Sassoferrato "bebería" para su Hércules un siglo después, volviéndolo más joven y cambiando el rayo por la maza:
Los frescos de La boda de Eros y Psique están basados en la Metamorfosis o el Asno de oro de Apuleyo, el escritor romano más importante del siglo II. Agostino Chigi quiso simbolizar su enlace matrimonial con Francesca Ordeaschi.



Cuenta la leyenda que mientras Rafael pintaba los frescos de esta sala Miguel Ángel se coló durante uno de sus descansos y, aprovechando el andamiaje, pintar una gran cabeza. Al descubrirlo Rafael, no quiso borrarla


Abajo a la izquierda podemos ver otro fesco de Del Piombo, se trata de Procne y Filomela, hijas de Pandión, rey de Atenas, junto a Tereo, rey de Tracia, con quien es obligada a casarse Procne; el problema viene cuando Tereo se enamora locamente de su cuñada, Filomena; violaciones y mutilaciones posteriores terminarán con los tres convertidos en aves:

La Constelación de Perseo, una de las 48 señaladas por Ptolomeo en el Almagesto



En el atrio Apolo (Sol) con la inscripción «Potiore signis munere donat» (El Sol, a cada uno de los signos les da más poder):




Parece ser que en cada uno de los nichos iba el busto de una diosa romana, pertenecientes a la colección de Agostino Chigi y hoy parte de la colección del Museo de Dresde:

En el dormitorio principal están los frescos de Giovanni Antonio Bazzi "il Sodoma" ilustran los desposorios de Alejandro Magno y Roxana, y cómo ésta es atendida por querubines.



No está nada mal la exposición, me gusta más de lo queesperaba a priori; continúo y entro en la bonita Sala Pompeyana:

Qué de detalles maravillosos, como ese par de delfines asesinos que parecen devorar un pulpo; no se yo si Rafael vería alguno en su vida

Salgo, es tarde, la verdad que cuando saqué las entradas para Bernini&Barberini en el Palazzo Barberini (16€) no había descubierto aun los frescos de Villa Farnesina, y que habrían a las 9am, porque son las 9:45 y tengo la entrada para la exposición a las 10am; no me queda otra, viendo que tardo 35 minutos en transporte público, que pedir un taxi (17€), un chaval joven que antes trabajaba en un banco y con el que voy hablando de economía y de lo mal que está todo
Me encanta que primero nos muestren obras en las que Gian Lorenzo ayudó a su padre, Pietro Bernini, para darnos paso a los tremendos San Sebastianes junto al pobre San Lorenzo, unas esculturas de una fuerza tremenda:




Pintura para el altar de El Martirio de San Mauricio, atribuido a su estudiante Carlo Pellegrini pero cada vez se cree más que fue el propio Gian Lorenzo quien lo pintó















Espectacular terracota preparatoria de su majestuoso Elefante sujetando el obelisco en la Piazza della Minerva; leo en la cartela que está en colección privada, que afortunado quien pueda tener esto en su casa

Vale que Bernini era un genio, pero no menos impresionante era Alessandro Algardi, contemporáneo suyo, porque ojo a la magnificencia que transmite este otro busto del Cardenal Antonio Santacroce:
Algardi, al igual que Guido Reni, del que hay dos cuadros en la exposición, no pretendía transmitir la inmediatez del momento, como si hacía Bernini, sino la nobleza del retratado; además este busto es inusual dado su gran tamaño, mayor que el natural.

Magdalena penitente, también comisionada por el Cardenal Santacroce; cuando Reni murió en agosto de 1642, Bernini le rindió un homenaje en su "Justicia" para la tumba de Urbano VIII, donde apreciamos la similitud con la Magdalena de Reni.

El propio Bernini contó que Guido Reni pinto este Putto durmiente en 1628 en una pared para demostrar que seguía siendo un excelente pintor de frescos; el trozo de pared fue posteriormente desprendido para preservar esta pequeña obra maestra; el propio Bernini se inspiro en él para su San José con el niño pintado al fresco en la capilla del Palacio chigi en Ariccia:

Giuliano Finelli (alumno aventajado de Bernini): Michelangelo Buonarotti El joven. Se puede apreciar como copia de su maestro el gesto de la mano saliendo de la capa y la calidad técnica de Finelli

Busto del Cardenal veneciano Pietro Valier, Bernini 1626-27.

Bustos de Bartolomeo Roscioli y Diana De Paulo, Bernini ~1627-1640.

François Duquesnoy (Bruselas, 1597-Liorno, 1643): Busto de Michel Magnan, enano del duque de Crequy.1633-1634


Éste es espectacular: Busto de Thomas Baker, Bernini 1637-1638, procedente del Victoria and Albert Museum londinense
Como dice la cartela: "Es posible que fuera el inglés Thomas Baker quien trajo a Roma el retrato de Carlos I realizado por Van Dyck, que Bernini necesitaba para esculpir el busto del soberano (perdido). Gian Lorenzo quería mostrar a los ingleses el naturalismo del que era capaz al trabajar del natural, en lugar de a partir de un retrato pintado. Los ojos sin pupilas y el motivo de la mano que emerge de debajo del manto, extraído de la escultura funeraria romana, sugieren que el busto tenía una finalidad conmemorativa. El retrato parece animado por una vivaz expresividad, con el espectador capturado en el momento de girar la cabeza hacia la izquierda"

Quizás el mejor busto de Bernini: Busto de Costanza Piccolomini Bonarelli. ~1636-1637 procedente del Museo Nacional del Bargello en Florencia, donde lo vi no hace mucho
La cartela lo dice todo: "El mejor retrato esculpido por Bernini, y uno de los más grandes de toda la retratística occidental, este busto fue reconocido al instante como una obra maestra excepcional y parece haber sido utilizado como obsequio diplomático en varias ocasiones. En Florencia se asoció con el Bruto de Miguel Ángel (también en el Bargello), en una yuxtaposición ideal de los dos grandes escultores. Costanza está inmortalizada en mármol, pero, increíblemente, considerando la época en la que fue realizada, viste solo una túnica, semidesnuda e incluso descuidada.
Viva y presente, incluso sensual, con los ojos abiertos y la boca entreabierta, Costanza aún se gira hacia nosotros, en el acto de hablar. La mujer era lo suficientemente fuerte como para sobrevivir al confinamiento en una institución para mujeres adúlteras, regresar con su marido y gestionar su negocio en el mercado del arte incluso después de su muerte.


Resulta que con esta entrada no puedes acceder al Palazzo Baerberini, la exposición tiene lugar en unas salas laterales, para ello hay que hacer una pequeña cola y pagar 4€ presentando la entrada de Bernini, no está mal.


Retrato de un joven (o de Antonio Brocardo), una obra maestra de Giorgione, 1503, cedida por el Museo de Bellas Artes de Budapest.

El célebre "Doppio ritratto" (Doble retrato) o "Dos amigos" de Giorgione, 1502, conservado en el Palazzo Venezia y cedido excepcionalmente por el VIVE - Vittoriano y el Palazzo Venezia de Roma, gracias a un acuerdo de colaboración entre las dos instituciones del Ministerio de Cultura.
El joven abismado en sus cuitas amorosas porta en su mano izquierda el esclarecedor “melangono o naranja amarga”, como emblema del amargo regusto del amor en clara señal de que está reflexionando sobre la tornadiza naturaleza de dicha pasión
Las emociones pues, implícitas entre el gesto del joven en primer plano, de pura melancolía, y el de su amigo a la espalda, que parece animarlo a disipar su profunda nostalgia, seguramente fruto de un desamor como decía antes o quizás, de tiempos pasados que, como todos sabemos, siempre fueron mejores.

Que maravilla poder combinar Bernini con Giorgione, me voy a ver cuadros específicos del museo ya uqe lo tengo bastante visitado ultimamente.

Uno de los cuadros que me hace ilusión ver, por la historia que tiene detrás y porque siempre estaba fuera en exposiciones temporales, es el Amor Sacro y Amor Profano de Giovanni Baglione.

Parece ser que cuando Caravaggio vio el cuadro montó en cólera porque para él era un claro plagio de su Amor Victorioso al ver ese Cupido del suelo con esas alas (el de Caravaggio está en Berlín pero que pude ver el año pasado en una exp temporal en Londres).

Por cierto a Caravaggio las alas se las prestó como atrezzo su amigo y también pintor Orazio Gentileschi. Caravaggio criticó a Baglione como pintor y éste terminaría llevandole a juicio, junto a Gentileschi:
La leyenda cuenta que Baglione pintó una segunda versión, ésta, haciendo que el fauno o diablo se gire hacia nosotros y CON LAS FACCIONES DE CARAVAGGIO
Una historia de rivalidad y celos profesionales, los de Baglione hacia Caravaggio, encerrada en un cuadro; ironicamente parte de la mala fama de Caravaggio se la debemos a Baglione porque a la muerte prematura de aquel, Baglione se convirtió en su biografo, y lo puso fino claro

Continúo con los otros Caravaggios que hay en el Palazzo Barberini; son 3, aunque el Narciso está en una exposición temporal en el Rijksmuseum de Amsterdam, una pena si es la primera vez que vienes aquí y no lo puedes ver, aun así está el San Juan y el tremendo Judith decapitando a Holofernes:
Ayer mismo nos despertábamos con la buena noticia de que el estado italiano va a sumar otro Caravaggio a la colección del Barberino con la adquisición por 30 Mill€ del Retrato de Maffeo Barberini que pudimos ver en 2025 en la expo de Caravaggio y en 2024 cuando lo presentaron en público por primera vez, procedente de una colección privada (tuve la suerte de poder asistir a ambos eventos)

Supuestamente fue pintado el mismo día de la ejecución de Beatrice. Goethe al verlo dijo: "en esa cara hay más de lo que he visto en cualquier otra cara humana"

Sigo aprovechando el tiempo, son las 10:50 y no tengo la siguiente visita hasta las 12:10, ergo voy pasando de sala en sala y recordando cuadros, pero ¡ojo a los techos también!
Efectivamente, los putti sostienen el escudo de los Barberini con las tres abejas, dado que las abejas representan el trabajo, la diligencia y el poder, fueron adoptadas oficialmente por el Papa Urbano VIII, nuestro amigo Maffeo Barberini (provenían de Barberino Val d'Elsa, un pueblo de la Toscana)




Giorgio Vasari y su impresionante Alegoría de la Inmaculada Concepción, 1541, que ya conocía y que también vi en la gran exposición de 2024 que se hizo en su ciudad natal, Arezzo, por el 450 aniversario de su fallecimiento (Arezzo, 1511 - Florencia, 1574)






Me llama la atención encontrarme con un busto de Bernini y que no esté en la exposición, el del Papa Clemente X Altieri (luego caigo en la cuenta que no esta relacionado con los Barberini). 1676-80

De pronto la gran sala donde está el enorme fresco de Pietro da Cortona para mayor gloria de los Barberini: El triunfo de la Divina Providencia:
Minerva, la sabiduría, vence a los Gigantes, que representan la violencia, la brutalidad y la ignorancia. Simboliza el triunfo de la razón y la cultura (Urbano VIII Barberini era culto y mecenas de las artes) sobre la fuerza ciega y destructiva. La sabiduría y la cultura gobiernan.

La Paz, sentada en su trono, está rodeada de la Prudencia, quién sabiamente le pide cerrar las puertas del Templo de Jano, cuyas puertas sólo se cerraban en la antigua Roma en tiempos de paz, sin guerras en curso. La Ira, en el suelo, es derrotada y encadenada.
Los Barberini traen la paz y la prosperidad.

A la izquierda de la Paz, los poderosos cíclopes, figuras mitológicas dedicadas a forjar armas, símbolo de conflicto y violencia. Su trabajo, sin embargo, es en vano: estas armas ya no serán necesarias, porque la paz ha triunfado por fin.

Cronos devorando a sus hijos, representa el inexorable paso del tiempo y la fugacidad de la vida humana (guadaña).
A su lado las 3 Parcas (Cloti, Láquesis y Atropo), quienes cortan el hilo la vida, simbolizando el destino del hombre y su fragilidad frente a la voluntad divina.

En el centro se puede ver a la Divina Providencia, una figura femenina majestuosa y regia, sentada en un trono hecho de nubes. Su cuerpo está envuelto en una luz dorada, que subraya claramente su naturaleza divina y su superioridad espiritual. Con la mano levantada, ordena simbólicamente a la Fama que corone el escudo de los Barberini, sellando el glorioso destino querido por el cielo para la familia.

Todo son escenas alegóricas referidas al buen gobierno de los Barberini, a su lucha contra la corrupción, su integridad etc, como he dicho, a mayor alabanza suya.

El reto fue enorme: crear un fresco de unos 600 metros cuadrados, segundo en tamaño en Roma sólo por detrás de la Capilla Sixtina. Pietro da Cortona tardó siete años (de 1632 a 1639) en terminar la obra, entre pausas debidas a otros compromisos y estancias fuera de Roma.
En resumen, el fresco de El triunfo de la Divina Providencia de Pietro da Cortona es una de las obras más importantes y fascinantes del Barroco italiano. Con su extraordinaria complejidad simbólica y su increíble habilidad ilusionista, el artista consiguió celebrar el prestigio de la familia Barberini, transformando el techo del Salone di Palacio Barberini en un verdadero espectáculo visual.

Continuo, no pongo todos los cuadros importantes, porque tiene demasiados y ya lo he hecho en otros diarios, me conformo con prestar más atención a obras que no tenía en mi radar de anteriores visitas, como este otro pequeño fresco:


Pedro Fernández (Murcia 1480 ca - post 1521): La Visión del beato Amadeo Menez de Sylva (1513-1514), proveniente de la Collezione Sciarra.





Y me voy dando un paseo de 20 minutos por una soleada y atestada Roma, ambientazo tremendo como suele pasar en la capital del mundo.
Mi destino es el área expositiva del Museo del Ara Pacis donde se exponen principalmente obras impresionistas pero también otras cubistas etc procedentes del Detroit Institute of Arts








La paleta de Renoir es asombrosa, con esa luminosidad y calidez, alucino con sus cuadros; aquí tenemos La Bañista sentada, 1903-06 y sobre todo, el retrato de su hijo Jean (a la postre famoso y oscarizado director de cine) vestido como Pierrot (1901-02)

Coincido más con esas teorías que aluden a un disparo accidental en una disputa con unos adolescentes del pueblo o algo así en lugar de un suicidio, porque este hombre debía de ser bastante particular (raro) y no caer muy bien a los lugareños)



Entramos ahora en territorio cubista, expresionista:


Picasso:


Picasso: Botella de Anís del Mono, 1915. Es un ejemplo destacado del "cubismo sintético", que enfatiza la planitud y utiliza colores brillantes.


Juan Gris: Naturaleza muerta, 1916. Otro claro ejemplo del cubismo sintético; podemos leer "Le Jour", elemento común en la obra cubista que hace referencia a un periódico francés.








Salgo, paso por la tienda, hay merchandasing de cualquier obra impresionista independientemente de que no las hayamos visto aquí, se trata de vender como sea

Me siento al sol romano a comer algo, está lleno de estudiantes, ya que el Museo del Ara Pacis es bastante visitado por los institutos parece ser a juzgar por los grupos que veo; ya que estoy allí, entro a verlo (14€) porque me reconozco un ignorante de lo que realmente representa:

---